Les femmes sont en effet, chez Racine, le vecteur de l'affirmation de la vie intérieure.

Le théâtre tragique de Racine s'inscrit dans une phase bien précise du mode de production féodale : la monarchie absolue, qui est son stade le plus élevé. Il correspond, pour en cadrer la situation historique particulière, au classicisme de la nation française s'étant formée au XVI^e siècle.

C'est la vie réelle qu'entend montrer Racine et pour cette raison, si certains son troublés plus que d'autres, tous le sont. Le dérèglement est même la norme.

Il est tout à fait logique que l'on retrouve chez Racine le même souci que chez La Bruyère et La Rochefoucauld, ou encore La Fontaine, à savoir la tendance à l’annulation de la contradiction. La monarchie absolue fait du roi une sorte de zéro absolu, absorbant l'affrontement entre aristocratie et bourgeoisie.

Il est nécessaire d'expliquer le cadre particulier de l'activité de Racine, ce qui éclaire également sa soumission personnelle, en tant qu'intellectuel, à la monarchie absolue.

Racine est d'une certaine manière le premier écrivain à vivre de sa plume, si l'on met de côté Molière qui était également comédien. Mais il en vivait mal et sa marge de manœuvre financière était somme toute étroite. Cela a puissamment joué sur sa capacité à être corrompu.

L'évolution musicale est-elle le fruit de génie intervenant de l'extérieur sur le domaine musical, ou bien est-elle inhérente à la musique, dans sa nature même s'exprimant comme expression culturelle propre à différentes sociétés ?

Jean-Sébastien Bach arrive à un moment historique où son activité peut être le produit de deux pôles contradictoires. Il y a, d'un côté, une véritable base luthérienne sur le plan musical.

Le Parnasse est un mouvement littéraire ayant eu une importance capitale dans l'histoire idéologique et culturelle de la France. Il est le produit direct de la victoire de la bourgeoisie en 1848 ; il est le pas significatif pour s'arracher au réalisme et passer toujours plus dans le subjectivisme.

Le terme de Parnasse désignant le mouvement provient d'une série de 18 recueils de poésie paru du 3 mars au 30 juin 1866, à l'initiative de Louis-Xavier de Ricard et Catulle Mendès, intitulée le Parnasse contemporain. 

L'exotisme joue puissamment dans l'expression du Parnasse.

Leconte de Lisle, auteur essentiel dans le Parnasse, oeuvra également à formuler la théorie républicaine - exotique du Parnasse.

Ce qui a pu donner cette illusion de l'art pour l'art, c'est que le Parnasse c'est aussi l'art pour les artistes. Si Sully Prudhomme vise les masses, José-Maria de Heredia les lettrés ; il y a un contraste gigantesque entre les deux approches. C'est l'avènement de la sphère artistique autonome, auto-suffisante, autocentrée.

Du point de vue du matérialisme dialectique, la partie historiquement progressiste de Georges Bernanos – une partie restreinte, mais de haute valeur, à l'instar de Pierre Drieu La Rochelle – peut être qualifié d'expressionniste, c'est-à-dire de chemin tourmenté, inabouti, vers la dignité du réel.

Georges Bernanos est un partisan de l'intériorité subjective – mystique, mais il refuse toute affirmation qu'il voit comme une expression d'orgueil. 

Georges Bernanos regrette ce qu'il considère comme un manque de clairvoyance des soldats qui se sont sacrifiés au front de la guerre de 1914-1918.

Georges Bernanos était antisémite, d'un antisémitisme compris comme une opposition à l'argent, directement associé ou plutôt assimilé aux Juifs. 

Georges Bernanos, de fait, a échoué à être un fasciste dans son époque, car il correspondait au fascisme français, qui n'a pas pu émerger directement en raison de la mortalité de la première guerre mondiale, s'affirmant par conséquent dans un foisonnement incessant durant les années 1920-1930 (de Georges Valois aux planistes, etc.).

De par sa démarche, Georges Bernanos rompait nécessairement avec l’Église catholique comme institution. 

Il est courant d'assimiler le naturalisme à un simple prolongement du réalisme, un prolongement de type photographique. Rien n'est plus faux, car le naturalisme est un réalisme décadent. Là où le réalisme fait une synthèse, le naturalisme montre le tableau d'une expérience sociale. On voit aisément cette différence avec les deux tableaux suivants de Jean Geoffroy (1853-1924), le « peintre des enfants et des humbles » comme le précise l'épitaphe sur sa tombe au cimetière de Pantin, en banlieue parisienne.

Jean-Eugène Buland (1852-1926) utilisait également la photographie pour élaborer ses peintures ; il témoigne d'un style qu'il développe et qu'on considère aujourd'hui comme du « superréalisme », d'« hyperéalisme », etc., alors qu'en réalité on a quitté le terrain du réalisme.

Alfred Roll (1846-1919) témoigne tout à fait de comment le naturalisme, en raison de sa charge sociale contrôlée et de son réalisme non synthétique, pouvait tout à fait s'intégrer dans l'idéologie républicaine.

Pierre Drieu La Rochelle dénonce Balzac et la raison sociale, mais son seul réel roman, Rêveuse bourgeoisie, se situe entièrement dans cette tradition. Il dénonce le raffinement pittoresque, mais c'est précisément le point faible de sa très grande nouvelle Le feu follet, qui décrit un dandy héroïnomane se précipitant dans le suicide.

Sorti en 1957, le film Les Sentiers de la gloire de Stanley Kubrick ne fut pas distribué en France avant 1975, sous la pression des courants militaristes n'appréciant pas la représentation de la direction de l'Armée française qui y est faite.

Le film se fonde en effet sur le roman éponyme de l'américain Humphrey Cobb paru en 1935, lui-même reprenant le titre d'un tableau britannique éponyme de Christopher Nevinson, datant de 1917...

Blade Runner 2049, suite du film Blade Runner sorti en 1982, n'est pas un grand succès en salles, malgré des commentaires dythirambiques de la presse, dythirambiques et unanimes. « Magnifique et cauchemardesque » dit Le Monde, correspondant bien à ce qu'on a pu lire dans la presse dans sa quasi totalité.

C'est que cette dernière, en effet, vit dans un univers mental bourgeois et elle a besoin de prétendre que le cinéma hollywoodien est encore capable de produire des choses de qualité. Elle est obligée de produire la fiction d'une non-décadence de la culture.

Mais, en réalité, quiconque porte un regard non corrompu sur Blade Runner 2049 sait bien qu'il n'a rien à voir avec Blade Runner, pour une raison très simple : l'incapacité du cinéma hollywoodien à assumer la lenteur...

La première exposition d’œuvres suprématistes eut lieu en décembre 1915, lors de la Dernière exposition futuriste 0.10, organisé par Ivan Pouni, connu ensuite en France sous le nom de Jean Pougny.

À cette occasion, Kasimir Malevitch présenta 39 œuvres, dont un Quadrilatère, qui fut désormais connu sous le nom de Carré noir. C'était le premier pas vers le carré blanc.

Il serait erroné, en effet, de penser que le suprématisme est un spiritualisme s'appuyant sur l'intuition et le subjectivisme...

Nous sommes en 1616 lorsque Les Tragiques sont publiées, alors que Henri IV s'est fait assassiné en 1610, malgré qu'il ait abjuré le protestantisme en 1593. Son auteur, Théodore Agrippa d'Aubigné, figure du protestantisme et historiquement très proche de Henri IV, ne peut plus alors faire qu'un constat désabusé : « ce siècle n’est rien qu’une histoire tragique ».

Son parti, celui du calvinisme qui s'est lancé dans une grande offensive anti-cléricale, n'a pas réussi sa percée, alors que son chef même, son proche ami qu'il a toujours valorisé comme le chef des protestants, a capitulé pour devenir Roi. L’Édit de Nantes qu'il a formulé est d'ailleurs terriblement bancal et un piège se refermant sur les calvinistes...

Récapitulons : Michel de Montaigne est un averroïste politique. Il appuie la faction dite des politiques, car elle lui semble le plus propice à la mise en avant du matérialisme, au moins relativement. Pour ce faire, il écrit des Essais où il dit tout et son contraire, afin de feindre l'incohérence pour mieux développer des thèmes laïcs et matérialistes sans que cela soit ostensible. Il s'oblige à saluer le catholicisme, mais ses raisonnements et sa culture puisant dans une Antiquité gréco-romaine est entièrement politique et morale, et nullement catholique.

Pour ce faire, il prétend uniquement être un naïf tourné vers l'esprit pratique ; il se veut candide : « Ma philosophie réside dans l’action, dans la pratique naturelle et immédiate, peu dans la spéculation. Ah ! Si je pouvais prendre du plaisir à jouer aux billes et à la toupie ! »...

Le passage le plus connu des Essais touche, paradoxalement, la religion. Michel de Montaigne y prend la défense de Ramon Sibiuda (vers 1385 - 1436), un théologien catalan, dans un chapitre très long, bien plus long que les autres. Il semble dédié également à Marguerite de Valois, fille de Henri II et de Catherine de Médicis, femme d’Henri de Navarre, le futur Henri IV.

Ce qui est très paradoxal, c'est que Michel de Montaigne raconte un nombre incroyable de choses dans ce chapitre, mais en tout cas pas de Raymond Sebon. Il raconte avoir traduit une œuvre de Raymond Sebond à la demande de son père, qui s'y intéressait. C'est peut-être une couverture : Raymond Sebond considère en fait, dans la logique de la Renaissance, que la religion et la nature disent la même chose, que donc les sciences naturelles sont un moyen de retomber en quelque sorte sur la religion. C'est le fameux principe averroïste de la double vérité...

Michel de Montaigne est donc prisonnier d'une contradiction : il veut des consciences organisées, mais a une lecture pessimiste de la nature humaine.

N'étant pas calviniste, il ne croit pas en la rationalité de tout un chacun. Il représente uniquement les intérêts rationalistes de l'appareil d'État. C'est l'averroïsme politique au sens strict.

Ce faisant, Michel de Montaigne n'a pas le choix : il va attribuer à son époque les faiblesses empêchant l'avènement de ce qu'il conçoit...

S'il est inconséquent avec le calvinisme en raison de son averroïsme politique, on comprend d'autant mieux le choix de Michel de Montaigne de parler de l'Amérique. On sait à quel point Montaigne est choqué, ému quand il parle de la situation là-bas. Il constate ainsi :

« Peu importent leurs noms [de certains peuples des Indes nouvelles], car ils n’existent plus; la désolation due à cette conquête, d’un genre extraordinaire et inouï, s’est étendue jusqu’à l’abolition complète des noms et de l’ancienne topographie des lieux. »

C'est que le thème du nouveau monde découvert n'est pas qu'un prétexte à un discours faisant une réflexion sur la culture, la nécessité de prendre position de manière adéquate, etc. Il y a à l'arrière-plan une dénonciation indirecte de l'Espagne catholique...

Les commentateurs bourgeois considèrent que Michel de Montaigne a une visée introspective : c'est sur lui qu'il réfléchit, c'est de lui-même qu'il parle, il est sa propre fin. Ce n'est pas du tout le cas ; il y a une véritable conception générale qui se forme ici. Michel de Montaigne formule la théorie de la conscience, de la psychologie, propre au néo-stoïcisme qui est l'idéologie de la monarchie absolue. Sans Michel de Montaigne, on n'a par la suite ni René Descartes, ni Jean Racine. C'est un fait indéniable et les jansénistes l'auront très bien compris, Blaise Pascal se chargeant d'attaquer Michel de Montaigne et sa conception de la conscience.

Le premier aspect de la conscience définie par Montaigne est nécessairement celle de l'autonomie. On doit bien voir que le néo-stoïcisme est obligé, pour avoir un effet, d'emprunter une partie de la conception calviniste, afin de justifier l'action sur le monde. Montaigne utilise donc l'antiquité gréco-romaine pour mettre en avant l'idéal d'un être conscient de lui-même, capable de choix par lui-même...

Michel de Montaigne travaillait dans sa bibliothèque, dans une tour de son domaine et y avait fait graver des phrases sur les poutres et les solives du plafond. On lit ainsi cette citation de Pline :

« Il n’est rien de certain que l’incertitude, et rien de plus misérable et de plus fier que l’homme. »

On y lisait aussi cette sentence de Sextus Empiricus :

« Il n’y a aucun argument qui n’ait son contraire, dit la plus sage école philosophique. »...

Michel de Montaigne s'appuie donc sur Plutarque, en empruntant massivement à sa traduction réalisée par Jacques Amyot. Mais ce n'est pas tout, il emprunte également énormément à Sénèque.

Or, justement, les œuvres de Plutarque traduites par Jacques Amyot ont eu un retentissement gigantesque sur la sphère intellectuelle française à leur parution ; les tragédies françaises qui apparaissent puisent régulièrement en elles, ainsi que dans une autre grande référence : Sénèque, justement.

Michel de Montaigne est ainsi pratiquement au démarrage de la grande vague « néo-stoïcienne » reprenant les questions de morales telles que comprises par Plutarque et le stoïcien Sénèque...

Socialement, Michel de Montaigne (1533-1592) est exemplaire du penseur au service de la monarchie absolue. Il appartient à une famille de négociants ayant fait fortune à Bordeaux, appelée les Eyquem, qui acheta la petite seigneurie périgourdine de Montaigne et se fit anoblir. Le père de Michel de Montaigne, dans ce processus, abandonna le commerce et participa à des campagnes militaires, avant de grimper les échelons municipaux, jusqu'à devenir maire de Bordeaux.

La logique de ce processus est résolument au service de l’État et de son idéologie. Ce n'est pas la religion qui domine, mais la figure de l'individu qui administre dans un cadre social précis...

Les Fables ont un double caractère : d'un côté, elles sont individuellement chacune un portrait, de l'autre elles forment un ensemble posant une certaine réflexion philosophique sur la vie.

Quel est l'aspect principal ? Il y a ici deux approches possibles.

Soit on les prend isolément, en les considérant une par une, ce qui a été la norme jusqu'à présent, en raison de l'esprit étroit propre à la bourgeoisie, qui a cherché à diviser l'oeuvre pour trouver, de manière pragmatique, une utilité particulière à chacune d'elle...

Jean de La Fontaine avait conscience de la limite de sa démarche et il a tout de même tenté d'y faire face, en promouvant la dignité du réel.

Dans ses Fables, les animaux ne sont pas que des masques des hommes ; ils ont leur dignité, un animal peut tout à fait être une « mère éplorée », les sentiments eux-mêmes sont présents, comme dans la fameuse fable des deux pigeons.

Celui qui s'ennuie regrette amèrement d'être parti et d'avoir abandonné son amour par folie des grandeurs ; c'est là une des plus belles si ce n'est la plus belle fable de Jean de La Fontaine, qui dépasse en fait d'ailleurs l'approche propre à une fable (des sauts de ligne sont ajoutés pour faciliter la lecture)...

Ce qui est frappant chez Jean de La Fontaine, c'est ainsi un certain pessimisme, fondé sur un regard critique des mœurs de son époque.

En fait, les rapports marchands sont particulièrement présents dans les Fables, la raison en est simple : tout comme chez Jean de La Bruyère et François de La Rochefoucauld, on a la constatation de la prégnance toujours plus forte de la tendance capitaliste...

Si l'on porte son attention quant à la genèse des Fables, on peut voir qu'il y a 240 fables, réparties dans douze livres.

L'hebdomadaire L'Obs, nouveau nom du Nouvel Observateur, a consacré un numéro à Emmanuel Macron. Ce dernier en a profité pour tenir de nouveau des propos dont la teneur est la même que lors de son meeting à Lyon il y a peu : il n'y aurait pas de culture française.

Voici comment il expose sa ligne cosmopolite correspondant aux intérêts d'un capitalisme qui veut des consommateurs, pas des gens s'épanouissant dans la culture.

«Votre programme culturel, de l'éducation artistique pour 100 % des enfants au pass de 500 euros à 18 ans, rappelle les principes de Jean Vilar. Le patron du TNP et compagnon de route des communistes tenait que « le théâtre est un service public, comme le gaz, l'eau, l'électricité »...

« La première fois tu m'as fait beaucoup rire
Tu étais si mignon et tu jouais du piano
Maintenant, mon meilleur ami c'est l'argent
Au revoir, chéri
Au revoir, mon amour »

Telles sont les paroles laissées sur un répondeur téléphonique, en français, dans la chanson Battlestations du groupe Wham !, la première démarche musicale de George Michael, décédé hier...

Firewatch est un jeu vidéo sorti en février 2016 qui a rencontré un grand succès auprès d'une partie des critiques de jeux vidéos, bien qu'il soit méconnu du grand public (500 000 copies du jeu furent cependant vendues dès le premier mois).

Le principe du jeu consiste à passer l'été 1989 seul dans un poste de surveillance d'incendie de la Forêt nationale de Shoshone qui borde le Parc national de Yellowstone aux État-Unis d'Amérique. On y incarne Henry qui est là pour fuir des problèmes personnels et on peut se déplacer librement sur la carte correspondante à la partie de la forêt que l'on est censé surveiller...

La contradiction fondamentale au sein de la Sécession ne manqua pas de faire imploser celle-ci rapidement ; Ver Sacrum n'eut, de fait, que 12 numéros. La Sécession en tant qu'association prolongea son existence, mais elle n'avait été qu'une étape affirmative.

En l'absence de solution national-démocratique en Autriche même, la tendance exigeant la généralisation de l'art forma son propre mouvement dès 1903, les Wiener Werkstätte, les « ateliers viennois »...

A partir du moment où l'être humain a commencé à travailler, c'est-à-dire à interagir de manière technique avec la nature, son esprit s'est agrandi, c'est-à-dire que ses raisonnements ont été toujours plus nombreux, parallèlement à la transformation matérielle de la réalité.

La nature de ces raisonnements n'acquière une dimension authentiquement matérialiste qu'avec l'émergence de la bourgeoisie ; le caractère dialectique de ce matérialisme apparaît avec la classe ouvrière.

Pour cette raison, les reflets de cette transformation dans l'esprit ont pu prendre, avec le matérialisme et le matérialisme dialectique, une nature troublée, brumeuse, déformée...

Quand on s'intéresse à Gustav Klimt, il faut comprendre que tout comme avec Alfons Mucha, on n'a pas affaire en tant que tel à des peintres, mais à des décorateurs.

Les ambulants, en Russie, étaient issus d'une petite couche cultivée liée à une bourgeoisie bien trop faible, les amenant à assumer entièrement la dimension démocratique, se tournant vers la réalité du peuple...

La Russie avait, à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle, connu le mouvement des peintres ambulants, issu de la volonté d'artistes d'aller dans le sens démocratique. Pour cette raison, la monarchie tendant à être absolue a en partie soutenu ce mouvement contre la féodalité, tout en le réfutant en partie en raison de sa base démocratique, son orientation populaire.

L'Autriche-Hongrie connaissait une situation exactement similaire, avec une monarchie tendant à être absolue, se débattant contre la féodalité et les forces catholiques. On y trouve, dans un esprit parallèle aux ambulants russes, mais largement différent pour des raisons historiques, un mouvement d'artistes s'orientant vers la démocratie : le mouvement de la Sécession...

Dans le Discours, il est expliqué que les aides les plus proches du tyran sont aisément sacrifiables et sacrifiés :

« Qu’on parcoure toutes les anciennes histoires, que l’on considère et l’on verra parfaitement combien est grand le nombre de ceux qui, étant arrivés par d’indignes moyens jusqu’à l’oreille des princes, soit en flattant leurs mauvais penchants, soit en abusant de leur simplicité, ont fini par être écrasés par ces mêmes princes qui avaient mis autant de facilité à les élever qu’ils ont eu d’inconstance à les conserver. »

Cela tient à la nature même du tyran, qui par définition pratique la terreur permanente pour s'imposer toujours de nouveau, cherchant à apparaître comme incontournable...

Le Discours de la servitude volontaire dénonce les superstitions, tout le folklore utilisé par le puissants pour justifier leur parasitisme général. Redonnons un exemple parlant :

« Le premiers rois d’Égypte ne se montraient guère sans porter, tantôt une branche, tantôt du feu sur la tête : ils se masquaient ainsi et se transformaient en bateleurs.

Et pour cela pour inspirer, par ces formes étranges, respect et admiration à leurs sujets, qui, s’ils n’eussent pas été si stupide ou si avilis, n’auraient dû que s’en moquer et en rire. »

Comme on le sait, la monarchie française s'est fondée en lien étroit avec la religion. C'est un processus qui prolonge les périodes romane et gothique.

Ainsi, la légende catholique veut que Clotilde la femme de Clovis, alla prier avec un ermite, dans la forêt de Cruye (désormais forêt de Marly), lorsqu'un ange apparut et lui demanda de remplacer les trois crapauds de l'écusson royal par trois fleurs de lys en or.

On retrouve par la suite la fleur de Lys à l'époque de la dynaste carolingienne (à la suite de Charlemagne), avant d'être officialisé en tant que tel par Louis VII le Jeune au XIIe siècle. Il semble bien cependant que le nombre de trois fleurs de lys fut décidé par Charles V le Sage au XIVe siècle, en référence à la « Sainte Trinité »...

Dans le Discours de la servitude volontaire, on trouve cet appel pathétique :

« Chose vraiment surprenante (et pourtant si commune, qu’il faut plutôt en gémir que s’en étonner) ! c’est de voir des millions de millions d’hommes, misérablement asservis, et soumis tête baissée, à un joug déplorable, non qu’ils y soient contraints par une force majeure, mais parce qu’ils sont fascinés et, pour ainsi dire, ensorcelés par le seul nom d’un qu’ils ne devraient redouter, puisqu’il est seul, ni chérir puisqu’il est, envers eux tous, inhumain et cruel...»

Toute l'interprétation bourgeoise du Discours de la servitude volontaire s'appuie sur ce que prétend Michel de Montaigne dans ses Essais. Or, on va vite comprendre qu'il serait très naïf de le faire.

Il dit au chapitre 25, au détour d'un passage n'ayant rien à voir :

« Ainsi ce mot de lui [c'est-à-dire Plutarque], selon lequel les habitants d’Asie étaient esclaves d’un seul homme parce que la seule syllabe qu’ils ne savaient pas prononcer était « non », et qui a peut-être donné la matière et l’occasion à La Boétie d’écrire sa « Servitude volontaire ». »..

Nous sommes au XVIe siècle et en août 1572, le massacre de la Saint-Barthélemy propage une violente onde de choc anti-protestante. La terreur catholique s'instaure, sanglante.

Voici comment l'un des plus grands juristes de l'époque,François Hotman, témoigne de son émotion dans une lettre du 30 octobre 1572, alors qu'il se réfugie à Genève :

« Hier soir, je suis arrivé ici, sauvé par la Providence, la clémence et la miséricorde de Dieu, échappé au massacre, œuvre de Pharaon…

C'est un phénomène connu du matérialisme dialectique que le petit-bourgeois pris de rage devant le capitalisme le prolétarisant, mais incapable de passer dans le camp du socialisme de par sa propre base sociale liée au capitalisme.

Obligé de trouver une vision du monde conforme à ses intérêts, le petit-bourgeois invente alors des conspirations organisées par une oligarchie empêchant le capitalisme d'être ce qu'il est censé être : naturellement équilibré, sans monopoles, etc...

L'approche de Luigi Pirandello en littérature, dans le roman et le théâtre, trouve son plus proche parent dans le futurisme, un mouvement artistique fondé et dirigé de manière despotique par Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944).

Ce dernier puise directement dans le symbolisme-décadentisme, mais de par les particularités italiennes, cela se transforme non pas en élitisme de la mise à l'écart esthétisante des artistes, mais par l'appel à la prise de contrôle des destinées artistiques du pays...

Le premier point qu'il faut comprendre au sujet du réalisme en peinture en France au XIXe siècle est qu'il n'y a pas eu de mouvement réaliste, seulement une tendance. Cette tendance a été relativement puissante selon les moments et est indéniablement liée aux luttes de classes, avec les chocs populaires de 1848 et de 1871, avec également en perspective la lutte anti-aristocratique de la bourgeoisie elle-même.

Pour cette raison, le second point à comprendre est qu'il existe au sein du réalisme français en peinture deux aspects : le premier est populaire, allant au typique, dans un esprit synthétique, le second étant bourgeois, allant au particulier, dans un esprit expérimental...

Beau soir d'hiver

La neige - le pays en est tout recouvert -
Déroule, mer sans fin, sa nappe froide et vierge,
Et, du fond des remous, à l'horizon désert,
Par des vibrations d'azur tendre et d'or vert,
Dans l'éblouissement, la pleine lune émerge...

Léon Lhermitte (1844-1925) est une très haute figure du réalisme du XIXe siècle en France. Né en Picardie, dans l'Aisne, il put mener une véritable carrière d'artiste reconnue, bien que son réalisme le fit cataloguer comme passéiste et l'amena à sombrer dans l'oubli lorsque le modernisme triompha entièrement dans la bourgeoisie.

Dans la seconde partie du XIXe siècle, de par les contradictions historiques, la bourgeoisie ne fut pas en mesure de nier l'activité de Léon Lhermitte, alors que faisait encore rage le conflit avec l'aristocratie. Il reçut la grand médaille à l'exposition universelle de 1889, la légion d'honneur en 1884 puis devint commandeur de la Légion d'honneur en 1910, il participe comme jury à l’Exposition universelle de 1900 à Paris, etc...

Gustave Courbet n'a pas été en mesure de maintenir son réalisme et cela fut également le cas pour toute une série d'autres peintres. On sent ici qu'il a manqué toute une maturité pour faire dépasser la simple volonté de représenter le peuple.

Cette faiblesse est historique ; elle touche l'art, mais également le mouvement ouvrier, qui annonce déjà l'hégémonie réformiste social et syndicaliste « révolutionnaire »...

Emile Gros-Kost a été un ami de Gustave Courbet et dans Courbet : souvenirs intimes, il a raconté la vie de l'artiste. Gustave Courbet était un fervent noctambule, un caractère entier aisément centré sur sa propre personne. Cela était d'autant plus vrai qu'il ne savait pas écrire sans faute et compensait le manque de raffinement intellectuel par une dimension bourrue.

Voici comment, avec humour et sens de la mégalomanie, il raconte son passage en Allemagne. C'est un témoignage important, allant de pair avec son éloge de l'artiste comme caractère individuel unique...

La conception artistique de Gustave Courbet est indéniablement du réalisme ; toutefois, ce réalisme ne saurait être placé hors-contexte. Le réalisme de Gustave Courbet préfigure, au sens strict, le naturalisme d'Émile Zola : il se veut une représentation fidèle de la réalité, sans avoir à se soumettre à un idéalisme abstrait, ce qui ne veut pas dire qu'il soit un réalisme synthétique.

Voici Les casseurs de pierre (cliquer pour agrandir), un tableau emblématique de l'approche réaliste de Gustave Courbet dans ce qu'elle a de plus systématique, à défaut d'être synthétique, suivi d'une variante...

Le décès hier de Prince, né le 7 juin 1958, a brutalement marqué les masses en France. Si Michael Jackson a été adulé et considéré comme un symbole de candeur, Prince était admiré comme un immense artiste portant le flambeau du funk dans toute sa dimension populaire.

Cet artiste flamboyant était lui-même issu du peuple ; son père, plâtrier, était membre d'un groupe de jazz, le Prince Rogers Trio, sa mère étant de son côté travailleuse sociale et chanteuse de jazz. Cette mise en perspective fournit bien l'arrière-plan de sa perpétuelle recherche de synthèse de multiples styles musicaux...

Une œuvre d'art n'est pas créée par un génie, mais est le produit d'une personne synthétisant la transformation du monde. Tel est le point de vue du matérialisme dialectique dans les arts.

La musique a connu, depuis l'émergence d'Elvis Presley et des Beatles, une généralisation marchande, dépassant le cadre précédent plus formalisé, plus en liaison directe avec les couches sociales dominantes, les milieux artistiques, etc...

Dans cinq minutes la pendule va sonner dix heures, c'est un beau soir frais de printemps, exactement le 24 avril 1942. Je me dépêche, dans les limites de mon rôle, celui d'un monsieur âgé qui boite – je me dépêche d'arriver chez les Jelinek avant la fermeture de la maison.

J'y suis attendu par mon second, Mirek. Je sais que cette fois-ci, il n'a rien d'important à me dire, ni moi non plus, mais manquer un rendez-vous pourrait entraîner la panique – et il faut précisément éviter d'inutiles soucis aux deux bonnes âmes qui nous accueillent...

M6 a diffusé, ce jeudi 25 février, les premiers épisodes de la saison 10 puis a fait une nuit spéciale avec la rediffusion de vieux épisodes choisis par le fondateur de la série. Cette diffusion si peu de temps après le lancement de la série aux États-Unis montre que X-Files est une série qui a profondément marqué culturellement dans les années 1990. D'ailleurs, le niveau des audiences réalisé par la nouvelle saison confirme cet impact culturel : on évalue à 4,6 millions le nombre de personnes ayant regardé M6 jeudi soir (aux États-Unis ce fut autour de 13,5 millions de personnes).

Cette série a été très novatrice à l'époque de sa sortie. Car bien qu'elle garde en aspect le format classique des séries policières avec une suite d'enquêtes, elle a été une des premières avec une trame narrative se construisant tout le long des épisodes...

Dans le film « Le dictateur », le discours fait par le sosie du dictateur Adenoïd Hynkel est d'une très grande beauté et d'une énorme signification. Dans ce film de 1940, Charlie Chaplin synthétise les valeurs de l'unité antifasciste.

On aurait tort de ne pas rapprocher ce texte de l'« esprit Charlie ». On y retrouve une approche très similaire, à la fois volontaire et bon enfant, consciente des exigences de l'époque et candide, résolument progressiste et avec des exigences démocratiques essentielles...

En quelques jours, nous avons pu assister aux décès de Pierre Boulez et de David Bowie, véritables icônes du post-modernisme. Si le premier n'était connu qu'une poignée d'adeptes de la musique contemporaine, le second l'était des larges masses pour ses nombreux succès commerciaux.

Toutefois, ces deux figures possèdent une approche tout à fait commune, correspondant parfaitement à cette « modernité » que la bourgeoisie la plus « moderne » tente de nous présenter comme l'aboutissement le plus abouti de l'épanouissement individuel...

Le triomphe de Ilya Répine au sein même des institutions d'une autocratie qu'il rejetait – confiant même son atelier pour des réunions secrètes de ses proches qui étaient bolcheviks – témoigne des contradictions de la monarchie, avec ici l'affrontement entre les forces féodales traditionnelles et la monarchie absolue.

De fait, le tsar Alexandre III, qui avait commencé son règne en 1881, ne pouvait que constater l'essor de la bourgeoisie et il décida qu'il fallait à tout prix en cesser avec le conflit avec les peintres ambulants. Aussi choisit-il de les reconnaître en tant que tel, s'ils intègrent l'académie, en quelque sorte comme courant artistique...

A la suite des ambulants développant leur réalisme, il exista un autre courant rejetant l'académisme, qu'on peut qualifier de « moderniste ». Porté par Serge de Diaghilev (1872-1929), célèbre pour ses « ballets russes » parisiens, et Alexandre Benois (1870-1960), le modernisme avait comme organe de presse Mir iskousstva (Le monde de l'art) et défendait l'ouverture culturelle aux pays où le capitalisme s'était élancé et l'acceptation des nouvelles formes.

La menace que cela faisait peser sur les ambulants fut parfaitement compris par Vladimir Stassov (1824-1906). Critique d'art ayant joué un rôle très important pour les ambulants, devenant en quelque sorte leur porte-parole en théorisant leur démarche, il mena une fervente bataille contre les modernistes, contre leur démarche consistant, pour reprendre ses formules, en du « trash décadent » et « une orgie de débauche »...

Vassili Sourikov est un excellent exemple de peintre ambulant reconnaissant toute son importance à la question historique et voici un dernier exemple très pertinent, puisque datant de 1906, l'année suivant la révolution de 1905. Stepan Razine présente ce dirigeant cosaque qui organisa une grande révolte contre l'autocratie, au XVIIe siècle, manquant de faire s'effondrer le régime et devenant un personnage de folklore...

L'artel avait réussi à promouvoir une indépendance des artistes réalistes par rapport à l'autocratie.

Le terme le plus exact serait ici celui d'autonomie ; l'artel avait d'ailleurs comme pratique de mener des réunions tous les jeudis, pour échanger sur la situation sociale, les questions artistiques...

Le choix de la peinture dite de genre fut effectué par les peintres eux-mêmes et pourtant, cela put s'insérer dans la société où le tsar décidait de tout. Comment cela a-t-il pu se passer ?

En fait, le tsar avait compris que le développement de son pouvoir nécessitait la reconnaissance de la modernisation, exactement comme avec la monarchie absolue au XVIIe siècle en France. Cela fait qu'au milieu des années 1850, c'est une seconde vague des peintres démocratiques qui intervient en fait, après l'échec de la première qui était par contre née contre le régime...

Pour comprendre la dynamique des ambulants, il faut saisir la situation des arts et des lettres dans le cadre historique de l'époque. Lors de la première moitié du XIXe siècle, les peintres étaient considérés en Russie comme un simple outil idéologique de l'autocratie, qui passait des commandes et surveillait toutes les activités artistiques ; il y avait très peu de connaissances de la peinture dans les autres pays, et les artistes venaient des couches inférieures de la société, étant dévalorisés et à la merci dans un système de castes.

Il n'existait que deux lieux pour l'existence sociale des peintres, qui étaient sinon à la merci du régime, notamment du service militaire et des impôts s'ils venaient de la paysannerie et de la petite-bourgeoisie : l'Académie des beaux-arts de Saint-Pétersbourg et l'Institut moscovite pour la peinture...

Avec le décès hier du metteur en scène suisse Luc Bondy, la culture française perd une de ses personnalités les plus connues et les plus attachantes. Au point d'ailleurs que c'est véritablement la fin d'une époque.

Luc Bondy représentait, en effet, toute une tradition théâtrale des années 1970, d'orientation progressiste et démocratique. Cela n'allait pas sans contradictions, dans la mesure où c'était au sens des institutions. Luc Bondy touchait avant sa mort 200 000 euros par mois et avait été imposé par l'Elysée au théâtre parisien de l'Odéon en 2011, alors qu'il allait avoir 65 ans en cours de mandat et que c'est l'âge maximum s'appliquant aux directeurs de théâtres nationaux...

L'une des grandes leçons que doivent donner François de La Rochefoucauld et de Jean La Bruyère, c'est d'éviter les apparences qui sont trompeuses. S'ils ne parviennent pas vraiment à les expliquer, de par leur impossibilité à être matérialiste dialectique, tout au moins peuvent-ils porter l'attention sur certains aspects. C'est cela l'esprit français, capable de dresser des portraits psychologiques.

Voici par exemple ce que Jean de La Bruyère nous conseille dans le cadre des relations sentimentales : « L’on est encore longtemps à se voir par habitude, et à se dire de bouche que l’on s’aime, après que les manières disent qu’on ne s’aime plus. »...

Savoir bien se comporter exige, dialectiquement, de savoir comment ne pas se comporter. François de La Rochefoucauld et Jean de La Bruyère ont une approche allant véritablement vers la dialectique justement parce qu'ils dressent des miroirs, montrant des attitudes, des postures, des manières, qui ont comme dénominateur commun d'être mauvaises. François de La Rochefoucauld est ici relativement brutal de par la forme même de ses assertions, de ses Maximes. Il nous dit par exemple que :

« La simplicité affectée est une imposture délicate. »

Ou bien encore que :

« Un sot n’a pas assez d’étoffe pour être bon. »

François de La Rochefoucauld et Jean de La Bruyère ont constaté l'émergence du mode de production capitaliste, mais ils ne l'ont pas compris. Représentants de la monarchie absolue, ils ne pouvaient constater la société que comme un tout, comme un ensemble organique, conformément à l'idéologie de la monarchie. Cependant, cette monarchie était absolue, et le pouvoir royal en tant que plus haute étape de la féodalité s'appuyait sur l'aristocratie, mais aussi sur la bourgeoisie.

Le problème est alors qu'il faut avoir une lecture scientifique pour saisir ce qui relève de l'une et ce qui relève de l'autre, ce que François de La Rochefoucauld et Jean de La Bruyère ne pouvaient pas avoir, pour des raisons historiques. Ils sentent bien que le mode de production capitaliste est en train d'affaiblir la féodalité, mais en même temps ils ne parviennent pas à distinguer féodalisme et capitalisme naissant...

La contradiction propre à la monarchie absolue, c'est de développer la culture d'un côté, de la freiner de l'autre, en raison de la domination de l'opportunisme propre à la cour, parallèlement au développement des commerçants et des marchands. C'est là l'expression des forces productives, qui se développent, alors que la société la freine en partie, la base féodale rentrant en contradiction avec le mode de production capitaliste qui apparaît.

C'est cela qui écoeure Jean de La Fontaine et Jean de La Bruyère ; ce dernier raisonne directement en termes de progrès, dans un esprit qui sera d'ailleurs celui des Lumières, à ceci près qu'il ne dénonce pas le régime, mais les travers humains qu'il sépare justement du régime, ce qui le ramène paradoxalement à un point de vue pro-féodal...

On aurait tort de penser que François de La Rochefoucauld et Jean de La Bruyère ne sont que de simples témoins, avec des yeux propres à leur époque – ce serait là une interprétation mécaniste, fondamentalement éloigné du matérialisme historique et de sa valorisation de la monarchie absolue comme étape intermédiaire et temporaire dans l'effondrement du féodalisme.

Ce qui fait l'intérêt de François de La Rochefoucauld est précisément la même chose qu'on a chez René Descartes et Jean Racine : une combinaison entre le catholicisme et les exigences de la bourgeoisie française qui n'a pas réussi à développer le protestantisme...

Le XVIIe siècle est le grand siècle français; c'est à travers lui que s'est formé la France comme nation, par l'établissement d'un grand marché et la constitution d'une administration unifiée, la langue française se forgeant sur cette base.

L'un des grands soucis est que la culture nationale qui s'est alors formée s'appuie sur une monarchie absolue devenue toute puissante. La période de Louis XIV n'est plus celle de François Ier ni d'Henri IV, tout est beaucoup plus systématisé et donc, de par la base féodale, ossifié...

Le très haut niveau culturel atteint par Jean Racine ne peut être compris qu'à la lumière du matérialisme dialectique, qui permet de saisir en quoi c'est un auteur national. Il est évident que si on regarde les fondements mêmes de l'approche de Jean Racine, on a quelque chose qui appartient au fleuve culturel démocratique.

De fait, lorsque l'accent est porté sur la vraisemblance, cela annonce le réalisme. Et lorsque la bienséance est mise en avant en tant que mise en avant des comportements adéquats, cela annonce la morale socialiste...

Pour que Jean Racine s'affirme, il faut une époque qui le produise matériellement. Il faut une forme et un contenu social adéquats. Or, ce n'est que lentement que le théâtre dispose de véritables locaux. En 1518, les Confrères de la Passion avaient arraché le monopole des représentations théâtrales, s'installant en 1548 dans une des salles de l’Hôtel de Bourgogne.

Mais leurs « mystères », représentations de scènes religieuses, furent interdits la même année, aussi ce sont des troupes ambulantes qui leur louèrent la salle. Le début du Roman comique de Scarron, en 1651, présente l'arrivée d'une troupe ambulante au Mans, de manière pittoresque, voire baroque...

L'œuvre marquante dans le cadre du combat contre l'irrégularité fut celle intitulée Pratique du théâtre, publiée en 1657 par François Hédelin, abbé d’Aubignac. Il synthétise, en effet, la question, en rétablissant ce que doit être la tragédie : non pas une catastrophe et des choses horribles, mais une situation extrêmement difficile pour quelqu'un de responsable.

C'est là le rétablissement de ce qu'aurait dû être la tragédie, si le calvinisme l'avait emporté, mais en remplaçant Dieu et sa morale par l’État et ses exigences...

Ainsi, l'esprit libéré n'est que celui de la décadence baroque, de l'irrationnel. Il s'agit de s'opposer à l'humanisme et au calvinisme, par la fantaisie, le féerique, le fantastique, le romanesque sentimental.

Balthazar Baro (1596-1650) dans Célinde, insère un long passage en vers évoquant la tragédie d'Holopherne, en reprenant le thème biblique. Dans la pièce elle-même, qui est en prose, Célinde poignarde Floridan qu'on veut lui faire épouser sans son accord. Son amante Parthénice se tue, mais tous deux sortent du tombeau, tout n'était qu'illusion...

Sans le protestantisme pour assumer l'individu comme autonome, la tragédie ne pouvait pas se maintenir. Elle présentait les contradictions de l'individu, ses tourments face à la responsabilité : c'était là une problématique propre au calvinisme.

Il pouvait bien y avoir une récupération par la faction culturelle de la monarchie absolue, au moyen de Sénèque et de la vertu à respecter dans le cadre de l’État gérant la société, cela ne suffisait pas...

Regardons comme Robert Garnier, en tant que première grande figure de la tragédie française, aborde la question de la réalité selon l'angle du stoïcisme, s'opposant au calvinisme et se plaçant à distance du catholicisme.

Il s'agit de souligner ici les valeurs essentielles du stoïcisme comme idéologie conforme à l'aristocratie royale : le fait que l'ordre social soit efficace et implacable, que le sort des êtres humains doit être accepté tel quel, que la vertu est la valeur cardinale de la société. C'est là l'idéologie visant à cadrer les masses dans le nouveau régime...

On a donc, au départ, une confrontation entre une version protestante de la tragédie et une version stoïcienne. Ce qui allait l'emporter dépendant nécessairement de l'histoire de la France. Si le protestantisme l'emportait, la tragédie serait restée comme esprit de témoignage de l'adversité mais cela aurait été son seul contenu ; cela ne se serait guère maintenu, s'effaçant devant le prêche.

Comme ce ne fut pas le cas, la « tragédie humaniste » s'est maintenue, s'appuyant sur la monarchie absolue se renforçant. Puisqu'on ne peut pas puiser dans le protestantisme et qu'on ne veut pas vraiment puiser dans le catholicisme, alors il reste l'antiquité gréco-romaine, les Sophocle, Euripide et Sénèque...

La grande preuve du caractère indéniablement moderne, français de la tragédie classique française est que la première tragédie écrite et mise en scène l'a été par un protestant, Théodore de Bèze (1519-1605).

En raison des persécutions à l'encontre du calvinisme, Abraham sacrifiant fut jouée à Lausanne, en 1550. Théodore de Bèze était pas moins que le successeur de Jean Calvin, et il est significatif sur le plan de l'histoire de la formation nationale de la France qu'il a qualifié sa pièce de « tragédie française »...

Dans la nouvelle Micromégas, Voltaire fait intervenir deux extra-terrestres gigantesques qui viennent sur la planète Terre. Ils n'y rencontrent que des hommes imbus d'eux-mêmes et prompts aux massacres, à part un qui, justement, s'avère un disciple de John Locke.

Les extra-terrestres l'apprécient particulièrement, et on devine bien entendu que c'est le point de vue de Voltaire, dont la Lettre philosophique XIII est par ailleurs un éloge de John Locke...

Milieu d'intellectuels et de petit-bourgeois, le surréalisme s'est naturellement tourné vers le trotskysme. En octobre 1925, André Breton saluait dans La Révolution surréaliste la publication d'un ouvrage de Léon Trotsky sur Lénine. André Breton y saluait la révolution en général, sans jamais aborder la question de l'économie politique, et la conclusion de l'article est révélatrice :

« Vive donc Lénine ! Je salue ici très bas Léon Trotsky, lui qui a pu, sans le secours de bien des illusions qui nous restent et sans peut-être comme nous croire à l'éternité, maintenir pour notre enthousiasme cet inoubliable mot d'ordre : « Et si le tocsin retentit en Occident, - et il retentira, - nous pourrons être alors enfoncés jusqu'au cou dans nos calculs, dans nos bilans, dans la N.E.P., mais nous répondrons à l'appel sans hésitation et sans retard : nous sommes révolutionnaires de la tête aux pieds, nous l'avons été, nous le resterons jusqu'au bout. »...

Nadja se conclue sur une formule-choc, typique d'André Breton :

« La beauté sera CONVULSIVE OU ne sera pas. »

C'est là le principe des artistes en quête d'« événements » : il leur faut des choses qui se passent, qui soient « à la hauteur » de leur subjectivité. On a ici la même position que chez le romantisme, le « mal du siècle », où les romantiques s'imaginent nés à la mauvaise époque, étant capable de pleins choses sans être reconnu institutionnellement malheureusement, etc...

André Breton est celui qui va organiser la rupture avec le dadaïsme, dadaïsme trop coupé de la tradition française symboliste-décadentiste assumée entièrement par André Breton, qui n'aura de cesse de se réfèrer aux symbolistes, considérés comme des précurseurs. Cela est tellement vrai que si les surréalistes se revendiquent ouvertement du marquis de Sade, ils le font uniquement en saluant sa rupture avec ce qui est raisonnable, sans pour autant en rien le suivre sur le terrain de l'ignoble, de la nécrophilie, etc.

Tout tourne autour du symbolisme; le surréalisme se veut un symbolisme « pur », débarrassé de son « idéalisme » et en fait, si on le comprend bien, alors on voit que le surréalisme se présente dans ce qui manquait au romantisme français par rapport au romantisme allemand...

C'est un cas d'école du coup de force post-moderne, de l'imposition par en haut d'une approche subjectiviste de la vie.

En apparence, on a un richissime galeriste qui « donne » à la population un petit musée, avec des œuvres d'art permettant de faire progresser la culture. En réalité, on a un bourgeois célébrant son ego en obligeant l'Etat à lui donner son propre musée, dont la substance en elle-même est l'accumulation subjectiviste, l'irrationnel propre à l'art contemporain...

L'intervention « poétique » de Stéphane Mallarmé et de Guillaume Apollinaire eut un franc succès dans la nouvelle génération d'artistes parisiens suivant immédiatement celle ayant porté le décadentisme-symbolisme. Une « poétique » apparaît, simplement subjectiviste, sans prétention idéaliste comme dans le décadentisme-symbolisme : la bourgeoisie décadente ne fait plus semblant d'avoir des valeurs idéales qu'elle porterait ou chercherait à atteindre. C'est le règne du libéralisme, c'est le culte de l'individu. 

Guillaume Apollinaire tenta même de réaliser une pièce de théâtre « moderne » ; intitulé Les Mamelles de Tirésias, elle fut présentée comme un « drame surréaliste » à l'initiative du poète Pierre Albert-Birot, qui privilégiait cela à « drame surnaturaliste »...

La peinture symboliste est surtout affligeante; elle reflète surtout un état d'esprit belle époque et haute bourgeoisie, avec des peintres puisant ouvertement dans « Joris-Karl » Huysmans et Stéphane Mallarmé, mais sans aucune profondeur intellectuelle ne serait-ce que mystique ou philosophique idéaliste.

Voici un passage d'À rebours de « Joris-Karl » Huysmans, où le dandy décide d'avoir une tortue afin d'avoir du mouvement dans son logement, dans une couleur adapté au reste. Il finit par incruster par des pierres précieuses dans l'animal, qui finira par mourir. On a ici un exemple absolu de caprice grotesque et élitiste à prétention esthétique, typique du décadentisme.

« Le monsieur salua, déposa, dans la salle à manger, sur le parquet de pitch-pin, son bouclier qui oscilla, se soulevant un peu, allongeant une tête serpentine de tortue qui, soudain effarée, rentra sous sa carapace. »

Paul Verlaine est celui qui a joué le rôle le plus important sur le plan technique de la langue française au XIXe siècle. En ce sens, il a un rôle historique, dépassant son propre décadentisme en tant qu'aventure individuelle. Le principe de Verlaine était le suivant : il fallait insuffler à la langue française de la fluidité - tout au moins, en apparence.

La difficulté qu'il y a en effet à saisir la démarche de Paul Verlaine est propre au décadentisme : si les décadentistes apportent quelque chose de nouveau, ils prétendent en même temps rejeter la modernité...

Les auteurs du romantisme noir n'ont rien de très engageant, à part pour des membres de la haute bourgeoisie basculant dans la décadence et justifiant celle-ci par une esthétique dandy. Aussi fallait-il que soit mis en avant une figure en apparence opposée à tout cela, afin de masquer l'aspect principal décadent derrière l'aspect secondaire mystique.

C'est Arthur Rimbaud (1854-1891) qui va être utilisé ici comme « figure solaire », au moyen de toute une construction intellectuelle, dont un avatar au début du XXIe siècle tient en ces propos de la ministre post-moderne de l'éducation Najat Vallaud-Belkacem...

Joseph-Aimé « Joséphin » Péladan ne fut que l'expression la plus pointue d'un courant généralisé au sein de la bourgeoisie « fin de siècle » : le décadentisme. Les opinions traditionalistes révolutionnaires de « Joséphin » Péladan étaient celle d'une foule d'artistes, qui tous célébraient la décadence tout en la dénonçant, précisément comme Friedrich Nietzsche en Allemagne.

Le terme de décadentiste était à l'époque équivalent de symboliste, les deux termes n'étant par ailleurs pas vraiment définis, ce qui est logique dans une démarche subjectiviste, fut-elle prétendument élitiste...

Le colonialisme est un phénomène social qui a, au cours de son développement, élaboré une idéologie raciste. Ce n'est pas le racisme en tant qu'idéologie qui a donné naissance au colonialisme en tant que réalité matérielle, mais l'inverse.

Or, au cours du XXe siècle, le « post-modernisme » a prétendu qu'il existait un « racisme » qui serait « matériel ». Il y aurait un coupable qui serait « l'homme blanc », auquel s'opposerait une figure « pure », car toujours opprimée et jamais oppressante : celle du colonisée.

Aimé Césaire (1913-2008) fut l'un des principaux défenseurs de cette conception, participant de son côté au mouvement dit de la « négritude », jouant ainsi un rôle éminemment contre-révolutionnaire au sein du Parti Communiste français...

 Ravished Armenia (Auction of Souls) et  Mayrig sont deux films sur le génocide arménien. Le premier date de 1918 alors que la plaie du génocide était béante et que l'oppression des arméniens se poursuivait de manière sanglante ; le second date lui des années 1990 et participe à tisser les liens de la mémoire.

« Ravished Armenia » (fragment) est un film difficile à catégoriser, une sorte de docu-fiction tourné aux États-Unis en 1918, donc très peu de temps après le génocide. Il ne nous reste que des fragments du film, les bobines originales ayant disparu dans un incendie.

Le scénario est basé sur le témoignage d'une survivante du génocide arménien nommée Aurora Mardiganian, qui interprète aussi son propre rôle dans le film...

Aujourd'hui, lorsqu'on regarde une encyclopédie ou un document présentant un contenu, on a l'habitude de voir une ou plusieurs images qui sont associées à l'explication. C'est à Comenius qu'en pratique on le doit.

Suivons ici son raisonnement, fondé sur une exigence démocratique. Comenius considère que « dans les écoles, tous doivent être instruits en tout ». Mais il sait qu'il y a une contradiction avec l'immensité des choses à apprendre si on se spécialise. Aussi faut-il trouver un moyen afin que l'esprit scientifique prédomine toujours face aux choses qu'on découvre, même si on ne les a pas étudiées...

Paul Éluard (1895-1952) est une figure très importante dans l'histoire du Parti Communiste français. Il représente, en effet, le courant surréaliste l'ayant infiltré, l'ayant subverti : Paul Éluard et Louis Aragon ont formé un tandem particulièrement pernicieux.

Dans les années 1920, on sait que les Partis Communistes, tant en Russie qu'en Europe, ont été rejoints par une série d'artistes vivant la bohème et imaginant que leurs propres prétentions « avant-gardistes » correspondaient au communisme...

Pour le 150e anniversaire de la naissance de Victor Hugo, Eluard a séjourné à Moscou du 25 février au 4 mars 1952; le petit-fils de Victor Hugo, Jean Hugo, était également présent. A cette occasion, Eluard prononça une allocution le 25 février, intitulée « Hugo, poète vulgaire ». Le lendemain, il tint une autre allocution, intitulée « Victor Hugo », qui est extrêmement proche.

Les voici toutes deux, précédé d'un autre discours, tenu le 1er mars devant l'école de garçons N 607. On y retrouve une version totalement bourgeoise de Victor Hugo, tout à fait en conformité avec le révisionnisme, et en rien avec le matérialisme dialectique...

Le XVIIe siècle est l'avènement d'une nouvelle couche sociale qui a commencé à apparaître véritablement au XVIe siècle avec l'humanisme d'un côté, la Renaissance de l'autre: celle des artistes. A la base ce sont des artisans, qui se sont spécialisés et ont atteint un niveau élevé de connaissances et de savoir-faire, et qui ont été intégrés dans l'idéologie dominante. Les arts et les lettres ont ainsi un double aspect, cependant ce qui triomphe à cette époque c'est aussi parfois le réalisme, parce que la bourgeoisie apparaît déjà comme classe rationnelle, exigeant un regard objectif sur le monde.

La négation de ce regard objectif, même si relatif car propre à une époque donnée (par opposition à la classe ouvrière dont c'est le caractère même), est une erreur à éviter absolument. Il est intéressant de voir ici comment Abrahm Bosse présente cette couche sociale que sont les artistes, quels aspects il en souligne, alors que lui-même en fait partie...

La grande difficulté quand on réalise des portraits, c'est de faire en sorte que le tout forme une synthèse d'un moment bien précis, lié à une situation donnée et à une activité donnée. Ici, c'est le sentiment amoureux qui est exposé, dans toute son inquiétude, avec sa profondeur à la fois pour le sens - la femme regarde au loin, elle attend de la nature une réalité concrète - et pour l'intellect, le livre étant là comme prétexte à réaliser tout son être. On a ici une affirmation hautement civilisée des sentiments, et ici il est expliqué que la défiance et la crainte nuisent à la reconnaissance des sentiments...

L'immense qualité d'Abraham Bosse tient, bien entendu, dans sa capacité à refléter de manière typique le peuple travailleur. Le sens du détail, la fidélité à l'esprit de l'action, la complexité synthétique de la représentation, tout cela fait qu'Abraham Bosse est une immense figure de notre peuple. Il n'est guère surprenant que le triomphe de la monarchie absolue l'ait fait disparaître, et que la course au capitalisme tendanciellement présente dans les Lumières ait fait qu'on ait pas pu le retrouver, mais comme avec les frères Le Nain, il y a ici un monument de la culture nationale réelle.

Rien, par exemple, que la manière de se tenir du barbier montre le titanesque savoir-faire d'Abraham Bosse, sa capacité à cerner les multiples aspects de la réalité...

Les 1600 gravures d’Abraham Bosse n'ont cessé, depuis leur réalisation au XVIIe siècle, d'être appréciés dans notre pays. La raison en est qu’Abraham Bosse est un portraitiste de très haut niveau, profitant de la vague de réalisme apporté par la bourgeoisie alors.

Son père est en effet un tailleur protestant venant d'Allemagne, tandis que son apprentissage se fait chez Melchior II Tavernier, originaire d'Anvers. Lui-même était calviniste, et cet esprit pratique se retrouve dans son œuvre Traité des manieres de graver en taille douce sur l’airain par le moyen des eaux fortes et des vernix durs et mols, qui est pas moins que le premier manuel technique de gravure...

Le baroque espagnol est l'un des sujets les plus difficiles à interpréter. Le baroque prend son élan à un moment où l'Espagne est déjà devenue un bastion catholique, tant de par la grande opération de « reconquista » (reconquête) idéologique d'un territoire repris définitivement aux Arabes en 1492, que par la « découverte » cette même année de l'Amérique, avec la colonisation qui s'ensuit, marquée bien entendu par les opérations des missionnaires.

L'Espagne, comme l'Italie, a donc totalement évité la vague protestante ; elle a connu ce qui est appelé un « siècle d'or » de par la vigueur de la monarchie espagnole maintenant une féodalité complète, et ainsi le baroque est devenu un des vecteurs de l'affirmation nationale espagnole...

A l'opposé de la France où le baroque fut marginalisé par l'hégémonie de la monarchie en alliance avec la bourgeoisie, certains pays ont au contraire connu un baroque comme idéologie nationale, de par la domination de l'aristocratie avec l’Église, de la nécessité d'une offensive de la réaction pour maintenir le régime.

Par la suite, la monarchie tendant à l'absolutisme s'alliera à la bourgeoisie pour tenter de faire ce qui s'est passé en France, développant également un néo-classicisme....

Le pont Charles à Prague est un véritable monument culturel, extrêmement connu. Il représente à lui seul tout un épisode du baroque et de sa dynamique agressive. Ce pont, en effet, date de la seconde moitié du XIVe siècle, alors que la monarchie absolue tchèque s'élance, que la tempête hussite bouleverse le pays quelques décennies plus tard.

Mais son identité a été façonnée par les forces ayant triomphé du hussitisme et des Tchèques : l’Église catholique et l'Autriche des Habsbourg. Le pont de 516 mètres de long s'est donc vu ajouté une trentaine de figures en vis-à-vis, au XVIIe et XVIIIe siècles, lors de la domination idéologique du baroque : on y voit Jésus, Marie, des saints dans différentes postures, comme « Saint » François Xavier baptisant des princes indien et japonais...

Le réalisme socialiste a posé des principes très clairs concernant l'évaluation d'une œuvre d'art, ce qui permet de définir ce qu'est un chef d'oeuvre. Ces chefs d'œuvre ne sont pas des œuvres quantitativement supérieures aux autres, elles sont qualitativement différentes et par conséquent elles fournissent des repères incontournables.

* Quand on analyse une œuvre, on doit s'attacher aux points suivants : la dimension typique dans la vie quotidienne, le caractère historique concret, le niveau technique, la représentation dialectique des phénomènes, l'appui des tendances positives.

* Quand on analyse un artiste, on doit s'attacher aux points suivants : la dimension démocratique, la compréhension des tendances positives, le niveau technique.

La compréhension du baroque exige une vision précise de la situation propre à chaque pays, sans quoi on arrive à des contradictions patentes. Un exemple « classique » d'erreur complète des commentateurs bourgeois en France concerne le tableau « Les ambassadeurs », de l'allemand Hans Holbein le jeune (1497-1543).

Selon eux, en effet, l'anamorphose – avec un crâne déformé « caché » au premier plan - fait que ce tableau serait « baroque ». Ce n'est nullement le cas.

En réalité, ce crâne est une allusion à la devise d'un des deux ambassadeurs représentés. Jean de Dinteville avait en effet comme devise « memento mori » (souviens-toi que tu vas mourir), et le globe terrestre à l'arrière-plan est centré sur l'Europe et indique même Policy, c'est-à-dire Polisy, le petit domaine de Jean de Dinteville...

Vassili Grigorievitch Perov (1834-1882) est un peintre immense, totalement inconnu des masses, et pour cause : la bourgeoisie décadente préfère les Salvador Dali et les Marcel Duchamp aux figures illustres du réalisme.

Ici, Vassili Grigorievitch Perov appartient bien sûr au courant des « ambulants », qui ont parcouru la Russie pour montrer la réalité telle qu'elle est. Il est leur figure la plus âgée et pratiquement le premier à insuffler la dimension critique dans le réalisme ; en cela, il est ici très proche des frères Le Nain.

Deux œuvres majeures sont à considérer ici : Troïka, ainsi que La dernière taverne à la porte de la ville. Ce sont deux œuvres magistrales, une affirmation du réalisme porté à un niveau formidable. On y retrouve la même acuité dans l'expression de la souffrance, pleine de dignité. Jamais le peintre n'est hautain, et il préfère forcer le trait aux dépens du réalisme s'il le faut (comme chez les frères Le Nain) afin de bien souligner l'aspect lui semblant central, cela bien entendu en conservant la complexité générale et la synthèse de la réalité...

Un roman, c'est une œuvre de fiction qui obéit à des critères : soit il s'agit d'un roman avec un héros traditionnel, soit d'un roman réaliste dressant le portrait synthétique propre à une époque, ou bien c'est un roman moderne avec un anti-héros dans l'optique de refuser à la fois le principe de narration et celui de personnage.

La bourgeoisie traditionnelle soutient la première forme, le matérialisme dialectique la seconde, le post-modernisme et le fascisme la troisième.

Soumission, le roman de Michel Houellebecq qui sort aujourd'hui, tend naturellement à être un roman moderne, c'est-à-dire l'expression tourmentée et décousue d'un anti-héros se marginalisant et dressant un tableau cynique du monde en contradiction avec ses « pulsions vitales »...

L'auteur espagnol Pedro Calderón de la Barca (1600-1681) a exprimé le relativisme du baroque de la manière la plus brutale dans une œuvre capitale pour saisir l'esprit du baroque : La vie est un songe.

Dans la pièce, un roi a enfermé son fils seul dans une tour, en raison d'une prédiction sur sa nature future criminelle. Pris de remords, il le drogue et le place sur le trône pour une journée puis, devant l'échec de l'expérience, le ramène dans sa tour après l'avoir drogué. A chaque fois le jeune prince croit que ce qu'il a vécu est un songe, une illusion, et à la fin de la pièce il parvient au pouvoir.

Cette alternance de vérités relatives est propre au baroque : aucune connaissance ne tient debout, à part celle de Dieu. La vie est un songe, une illusion. Il ne sert à rien d'y accorder une véritable importance...

Jean Racine est un des trois grands portraitistes de notre pays, aux côtés de Molière et Honoré de Balzac. Comme la psychologie est l'aspect principal de son étude, ce qui est caractéristique de la démarche française du portrait, jetons un œil sur un exemple précis pour en voir les aspects matérialistes, voire matérialiste dialectique.

Regardons pour cela l'oeuvre appelée Bérénice, et plus précisément l'acte IV scène IV. Titus vient de perdre son père et doit devenir roi de Rome. Le problème est qu'il est en couple avec la reine de Palestine, Bérénice..

Même pas peur ! Non seulement ces gens ont, dans les années 1990, vendu la culture « garage » afin de se procurer prestige et drogues, mais en plus fallait-il qu'ils en fassent un film : « Eden », sorti hier.

Encore, les Daft Punk avaient fait une même récupération, mais pour partir dans une autre direction. D'ailleurs, lorsqu'en juin 2013, le nouvel album des Daft Punk était sorti, il était facile de constater que « ce que Daft Punk a produit n'était en effet pas fascinant, comparativement à l'immense richesse de la House music, du Garage à la Hard House. C'était seulement facile et propre »...

André Fougeron a été un artiste au service du communisme, mais le problème est qu'en France, le communisme a été bien surtout un jauressisme « dur », sans base matérialiste dialectique. Tel a été le prix à payer pour l'absence historique de social-démocratie.

L'affiche d'André Fougeron employée par des « marxistes-léninistes » est ainsi une véritable honte, elle rappelle à quel point la base idéologique du communisme en France est faible. Il ne faut pas s'étonner que le « Parti Populaire français » de Jacques Doriot a pu se construire à partir de renégats du Parti Communiste, quand justement on voit la faiblesse idéologique à la base...

Il est tout à fait dans l'esprit de l'époque que l'un des frères Le Nain, en l'occurrence Mathieu, soit parvenu à devenir peintre de la ville de Paris, avec comme tâche de dresser des portraits des marchands, des notables, des écrivains, des événements marquants de la vie de la ville, et même à dresser la décoration pour les cérémonies officielles (fêtes, naissances et enterrements ainsi que mariages princiers, etc.).

La bourgeoisie sait reconnaître ce qui lui appartient, et qu'est-ce qui lui appartient davantage alors que le réalisme ? Le tableau « La forge » fit ainsi forte impression au XVIIe siècle, montrant évidemment l'irruption du travail comme réalité dans une époque encore dominée par l'aristocratie et son mépris du progrès intellectuel et de l'activité manuelle...

Deux « artistes » sont portées aux nues par la bourgeoisie en tant que représentants de l'existentialisme: Alberto Giacometti (1901-1966) et Francis Bacon (1909-1992). Si l'art contemporain reflète absolument les principes « post-modernes », tant Alberto Giacometti que Francis Bacon sont considérés comme montrant le plus ouvertement la « réalité » de la « condition humaine ».

Pour cette raison, les oeuvres d'Alberto Giacometti et de Francis Bacon valent une fortune aux yeux de la bourgeoisie. La sculpture d'Alberto Giacometti «L'homme qui marche I» a été vendue en 2010 aux enchères chez Sotheby's pour 74,2 millions d'euros, ce qui fit d'elle la sculpture la plus chère du monde.

L'oeuvre la plus chère du monde jamais vendue aux enchères est de Francis Bacon: « Trois études de Lucian Freud », vendue 106 millions d'euros chez Christie’s en novembre 2013...

Ce qu'on appelle le roman moderne, c'est en réalité la prise en main de la rédaction des romans par des bourgeois dont la vision du monde est celle de la phénoménologie. C'est cette perspective fondée sur le subjectivisme dans les phénomènes qui explique pourquoi les auteurs ont supprimé l'origine sociale des personnages, les descriptions, la représentation de la société.

Il suffit de comprendre un tant soit peu la base de la phénoménologie pour voir dans quelle mesure les œuvres d'Albert Camus témoignent parfaitement de ce subjectivisme. Ses romans L'étranger, La peste et La chute, sont entièrement construits sur cette base. Voici le tout début, l'incipit de L'étranger...

La Grande Révolution Culturelle Prolétarienne a commencé en Chine populaire au sujet d'une pièce de théâtre. Cela ne doit pas nous étonner : de tels moments ont bien entendu existé dans d'autres pays.

La Belgique est ainsi née de la révolte nationale contre la Hollande, à la suite d'un opéra, La Muette de Portici de Daniel-François-Esprit Auber. Le public bourgeois est galvanisé par le duo intitulé « Amour sacré de la patrie, rends-nous l'audace et la fierté », alors que l'opéra lui-même raconte comment Naples (Portici étant un port voisin) se révolte contre la domination espagnole.

Les bourgeois se réunissent dans la foulée à l’hôtel de ville, reprenant les couleurs hissées là-bas et qui donneront le drapeau belge, alors que l'insurrection nationale se profile...

Molière est donc une figure historique de la France ; c'est un artiste porté par tout un mouvement de fond, démocratique et bourgeois. La bourgeoisie aujourd'hui, devenue réactionnaire depuis 1848, le réduit toujours plus à la farce, niant la dimension de son œuvre, mais même son caractère puisque les comédies-ballets ont été transformés en comédies, et sa critique réduite à de la farce et aux bons mots.

Etudier Molière et connaître sa portée est donc une tâche incontournable pour saisir le caractère national français et comprendre l'histoire de la lutte des classes dans notre pays...

Molière ne critique pas seulement le caractère arriéré des féodaux. En effet, il y a la tentative de procéder à l'imitation de la culture, par pédantisme. Molière est une arme anti-féodale justement parce qu'il empêche la reproduction en apparence de la culture par les faussaires féodaux.

La pièce Le bourgeois gentilhomme est ainsi un rappel aux bourgeois : il faut qu'ils restent eux-mêmes, pas qu'ils copient les féodaux. Un vrai bourgeois ne doit pas se la jouer gentilhomme, il doit porter la ville nouvelle, et ne pas transposer dans celle-ci des mœurs des campagnes...

Molière ne s'arrache donc pas à la soumission à la cour. La Comtesse d'Escarbagnas est une comédie-ballet, sans grande envergure, mais soulignant la séparation entre Paris et la province sur le plan des mœurs. A ce titre, elle célèbre la séparation villes-campagnes, en affirmant la cour et en abaissant l'aristocratie.

Le ton est le même avec Le Malade imaginaire, comédie-ballet où la pièce qui se moque des médecins est entrecoupé de danses, de chants, et de scènes à la gloire du roi et du mode de la vie de la cour...

« La Liberté guidant le peuple » d’Eugène Delacroix est un tableau très important de l'histoire de notre peuple. Le fait que la justice bourgeoise soit pratiquement incapable de la défendre face à une agression est significatif – mais de fait, le ver était dans le fruit en raison de la nature très particulière de cette œuvre.

En effet, en février 2013, une activiste conspirationniste a utilisé un marqueur indélébile pour inscrire « AE911 » sur la peinture, alors exposé à l'occasion de l'ouverture du musée Louvre-Lens.

La peine annoncée hier reconnaît le caractère politique de cette personne, et la libère pratiquement de toute charge...

Après L'Avare, Molière revient à la comédie-ballet, avec Monsieur de Pourceaugnac. C'est une comédie où on se moque des langages incorrects aux yeux de la cour, comme le picard et l'occitan, où l'on montre que, hors de Paris, tout est naïveté. La conclusion, en elle-même, témoigne du caractère divertissant de la pièce, comme reflet de l'idéologie de la cour :

« Ne songeons qu’à nous réjouir :
La grande affaire est le plaisir. »

Dans la continuité, on a ensuite la comédie-ballet Les Amants magnifiques, joué à l'occasion du carnaval de 1670, au cours des festivités appelées pas moins que Divertissement royal. Louis XIV devait monter sur scène pour danser deux rôles, mais apparemment il ne fit pas (et par ailleurs il ne le fit plus non plus par la suite)...

Molière a parfois du mal à conjuguer critique bourgeoise et critique dans le sens de la monarchie absolue des formes féodales.

Appuyé par le roi et les intérêts de la monarchie absolue, de la raison d'Etat, Molière peut porter dans ses oeuvres la lutte bourgeoise contre la religion catholique.

 Une fois la querelle de l'école des femmes ayant ouvert la voie à la démarche de Molière, il ne restait plus qu'à continuer. La pièce réellement nouvelle qui suit, Le Mariage forcé, est ainsi de nouveau une comédie-ballet.

Pour que les choses restent claires, pour ainsi dire, c'est sur ordre de sa Majesté qu'elle est jouée en janvier 1664 au palais du Louvre, puis en février 1664 par la troupe de Monsieur, frère unique du Roi, au Théâtre du Palais-Royal devant le public.

La pièce est indéniablement brillante, puissamment intelligente. Le thème est encore une fois un homme désireux de se marier, alors qu'il ne l'a jamais fait. Il a changé d'avis, parce qu'il a adopté un point de vue réactionnaire, voyant la femme comme un objet, comme une esclave satisfaisant ses vieux jours...

Molière a tenté, après Sganarelle ou le Cocu imaginaire, de développer certains aspects propres aux portraits. Le choix fut cependant erroné, puisqu'il tenta de faire une comédie héroïque, c'est-à-dire une comédie dont les principaux protagonistes sont des aristocrates aux valeurs typiques selon eux-mêmes : vertueux, combatifs, etc.

La pièce, intitulée Dom Garcie de Navarre ou le Prince jaloux, ne fut pas un succès. L'intrigue consistait en fait en une farce transposée chez les aristocrates, avec un homme jaloux alors qu'en fait son concurrent, qui aide la princesse à revenir sur le trône, était en fait le frère de celle-ci. Une telle démarche ne pouvait qu'échouer.

Aussi, l'oeuvre suivante de Molière, L'École des maris, nous ramène dans la société elle-même, dans une problématique bourgeoise. Deux frères s'occupent de l'éducation de deux sœurs qu'ils veulent marier par la suite...

La troisième œuvre de Molière, L'Étourdi ou les Contretemps, prolonge l'esprit de la farce : on retrouve un personnage à l'espagnol, Mascarille, valet ingénieux aidant dans une entreprise amoureuse son maître maladroit qui fait tout rater.

On est ici encore dans les bons mots, du type « Les plus courtes erreurs sont toujours les meilleures », tout comme dans l'oeuvre suivante, Le Dépit amoureux, où l'on retrouve Mascarille et des propos comme « On ne meurt qu'une fois, et c'est pour si longtemps ! »

Le scénario de cette quatrième pièce est toujours aussi impossible, avec un homme dépité car la femme qu'il aime se serait marié avec un autre, alors qu'en fait c'est une sœur cachée qui l'a fait, sans que son futur mari le sache par ailleurs...

Molière, Racine, Diderot et Balzac sont les quatre grandes figures de notre culture nationale, du génie français. Tous sont le produit d'une époque progressiste, portant un progrès de civilisation. Ils assument le réalisme, avec les caractéristiques propres aux conditions de la France d'alors : celle de la monarchie absolue pour les deux premiers, celle de la bourgeoisie ascendante pour les deux autres.

Jean-Baptiste Poquelin (1622-1673), dit Molière, a été un immense dramaturge, assumant son époque selon le principe bien connu depuis de « plaire et instruire ». A l'opposé de Racine, qui avec la tragédie s'était tourné vers la psychologie dans son rapport avec l’État, Molière s'est orienté avec la comédie vers la psychologie dans son rapport avec la société.

Là où Racine dresse le tableau de portraits intérieurs tourmentés face aux exigences de la civilisation, Molière façonne des exemples typiques propres à certaines rapports sociaux...

Stromae est indéniablement la grande actualité culturelle de ces derniers mois. La question de savoir ce qu'il représente est par contre indubitablement difficile ; porte-t-il un véritable contenu à travers un progressisme désabusé, ou n'est-il qu'un cynique talentueux ?

Stromae est-il issu des symbolismes et naturalismes belge, profitant de multiples cultures musicales africaines, ou bien est-il une variante post-moderne de la décadence ?

Jamais dans l'histoire de l'humanité il n'y a eu autant de moyens matériels pour produire de la culture. Accès aux instruments de musique, aux partitions, à l'histoire de la musique, accès aux livres, aux films, aux musiques, à l'histoire de la peinture, aux différentes danses... La situation actuelle est un rêve en théorie.

En pratique, l'humanité connaît une crise culturelle gigantesque. Le cinéma ne produit que des œuvres infantiles ; les rares artistes authentiques se vendent à la première occasion, tels les Daft Punk acceptant la semaine dernière, pour leur dernier album, des « grammy awards », une honte pour tout artiste authentique...

CHANT XVI

CHANT XI

CHANT I

HYMNE I

À Apollon

Le cardinal de Richelieu a ni plus ni moins que repris le domaine de ses ancêtres, pour permettre à l'architecte Jacques Lemercier de réaliser un château et une nouvelle ville...

L'art contemporain a une conception exactement similaire à celle du situationnisme. Considérant que dans la société industriele une œuvre d'art ne peut plus exister de manière authentique, il met en avant des expériences, des situations...

Le principe du « nouveau roman » est de nier l'importance de l'intrigue, voire même des personnages. Toute prétention au réalisme serait fausse. Pour que l'individu-lecteur existe, l'individu-personnage doit mourir...

Le surréalisme est un mouvement artistique élaboré par André Breton dans le Manifeste du surréalisme. Directement fondé sur les principes de la psychanalyse, il appelle à exprimer ce qui serait la pensée « pure »...

L'artiste Gesaffelstein, mis en avant par les médias depuis des mois, monte une escroquerie. Il apparaît comme « nouveau » avec une musique qui existait déjà dans les années 1990 en en reprenant la démarche, les sons, l'ambiance, mais pas le contenu...

Upton Sinclair a écrit un roman dans la veine du reportage, au sujet de la plus grande concentration industrielle d'alors, en 1906 : les Chicago stockyards, un enfer d'élevages et d'abattoirs.

Henri Barbusse, avec son roman Le Feu, réalise un témoignage poignant sur la guerre impérialiste de 1914-1918 ; son reportage un URSS, sur Staline, Un monde nouveau à travers un homme, est une autre expression de son approche.

Kisch s'est mis au service du Parti Communiste d'Allemagne et de l'antifascisme; il a eu une activité inlassable, toujours au service de la cause.

«Deux garçons en promenade la nuit sur le Boul'Mich' se disputent à propos du Traité politique de Spinoza ; une fois arrivés à hauteur des cafés, ils interrompent leur discussion et se mettent à ramasser des mégots sous les tables.»

Julius Fučík, né le 23 février 1903, à Smichov, un quartier ouvrier dans la banlieue de Prague, est un journaliste tchécoslovaque qui a rejoint très jeune les rangs du Parti Communiste. Son père était métallurgiste ; lui-même est le neveu de son homonyme, compositeur auteur de la mondialement célèbre Entrée des gladiateurs, notamment utilisé par les cirques.

Intéressé très tôt par la littérature, il rejoignit parallèlement l'aile gauche de la social-démocratie, qui forma le Parti Communiste de Tchécoslovaquie. Il écrivit alors pour le journal communiste de la ville de Plzeň, puis ses études finies, il participa à différents journaux et revues d'esprit littéraire...

Une vidéo on ne peut plus sexiste sur une musique entièrement repompée, de la part de pseudos artistes célébrés par la presse : « Blurred Lines » est un véritable exercice de style de la décadence de la bourgeoisie, une démonstration de son incapacité à produire. Le texte, bien entendu, est à l'avenant, exprimant le patriarcat et célébrant la tromperie...

« Un soir, je me prélassais dans un fauteuil dans ma chambre et je pensais avec langueur à la condition de la femme indienne. Je ne suis pas sûre si je me suis assoupie ou non mais, aussi loin que je me souvienne, j'étais bien éveillée. J'ai regardé le ciel, éclairée par la seule lune, scintillant de centaines d'étoiles telles des diamants et ce, très distinctement. Tout d'un coup, une femme se tenait devant moi ; comment elle est arrivée là, je n'en sais rien. Je l'ai prise pour mon amie, Sœur Sara... »

A côté de sa dimension bourgeoise, alors progressiste, Joachim du Bellay a indéniablement un aspect féodal, soumis à la monarchie absolue. Cela se voit avec son argumentation en faveur d'une sorte de mystique du long poème « national », en fait féodal.

De telles constructions seront légion au 19e siècle, servant à légitimer la nation par d'hypothétiques romans écrit en langue nationale dans le passé, etc, et relevant en réalité du folklore populaire (et ayant donc une valeur populaire et non pas « nationale » au sens strict)...

L'époque de Joachim du Bellay est difficile à saisir, car d'un côté la bourgeoisie se renforce en décentralisant, en morcelant le pouvoir central, comme avec le protestantisme, alors que de l'autre la formation d'un grand État central la renforce également pour l'étape suivante.

C'est la noblesse qui est la cible de ce mouvement en ciseau, mis en branle par la bourgeoisie et par la monarchie absolue...

Joachim du Bellay demande un saut qualitatif en raison de la nouvelle époque : il ne s'agit pas de nier le passé, mais de le dépasser. Il faut assumer le meilleur du passé, pour assumer la nouvelle étape. Il faut connaître les grands auteurs dans leurs langues, pour connaître le haut niveau et l'exiger pour ses propres formulations.

Voici comment Joachim du Bellay présente la chose sur le plan littéraire...